長期WFH，其實也能LFH。想的話，天天也有世界各地ZOOM講座你聽。今次聽了陳育強教授、香港藝術學院（Hong Kong Art School ）FB直播，主題是《理想藝術學院？ — 由香港當下預想未來的藝術教育》（19.12.2020），與程展緯（藝術家）、黃宇軒博士（藝術家、策展人）、方詠甄（M+博物館教學及詮釋主策展人）對談思考，在當今香港脈絡下，設想藝術教育的未來。
美味的雪菜肉絲麵讓我遲了進場，miss左半場程展緯。一聽就聽到他幻影旅團團長克洛洛自比[1]，原來他用來跟阿媽解釋自己做緊乜野（藝術）。其意大概，是「特質系」的團長擁有特殊技能，能偷取別人的能力，放在盜賊寶典裡，因時制宜地抽取使用，藝術大概就是這麼一回事。他跟基層學生傾偈，問為乜要讀視藝，學生說其實喜歡的是跳舞，九唔搭八的對答變成「錦鯉做乜唔讀APA（香港演藝學院）」，學生話「視藝的（搵食）生命好似長一些」，這故事告訴我們，香港這種教育結構，連讀藝術如此「搵唔到食」的東西，也逼迫學生要想得實際一些。
老師教學，其實就是教自己的藝術觀。重視「身體」的他，認為藝術其實是某種具身化的結果。把自己放進作品裡，或許可以幫學生更喜愛自己的作品。他說到某個藝術家（聽唔到sorry……），在某個島上做出一系列不同形狀的蛋，看看海鷗最喜歡那一種。最後發現，原來牠們最愛還是蛋型的蛋，但不知為何，愈大的蛋牠們就愈喜歡，情難自禁要去菢蛋。他的結論是，喜歡是無理由，教育就是要幫助學生發現自己喜愛的。
輪到Sampson黃宇軒，起手式居然是講哲學，當堂嚇一跳，原來唔係得啖笑，他其實是要講學院裡的非學院元素。他說很喜歡聽哲學系裡的傳說（我assume都是來自香港中文大學哲學系），例如哲學人時常圍在一狹小的房間裡邊抽煙邊討論（那應該是系會室），吵吵鬧鬧傾通宵，原來是他們認為最intensive、最認真學習的時刻（不便事實，家長指引）。又例如「另類著名」的「中大裡不穿鞋的哲學家」（我當然認識這位哲學家），原來是有極度認真的理由，論證為什麼自己不穿鞋 — 這些大學裡non-institutionalized 的部分讓他著迷，而他亦從這點扯到藝術教育去。他理想中的藝術學院，是要幫到學生articulate（道出）自己，從而做到intervention（介入）以回應時代。他舉School of Art Institute of Chicago的一個課室為例：這個坐落在城市最重繁忙街道旁的課室，一面巨大的落地玻璃窗，每時每刻都提醒著上課的同學，外面的世界正在發生什麼事。「外面的事」以非常具體的方式不斷被帶進課室，學生的注意力不能只停留在課堂裡的死資訊，變化萬千的外在世界逼迫他們必須每時每刻思考，自己的所作所學跟真實世界有何關係。這也道明了學校自許「art school in the city」的意義，他認為。
Sampson很重視集體、社群、協作，他認為理想的藝術學院也應強調對話（dialogue）和共創（co-creation）。他自稱是從無受過正統學院式的藝術訓練，但自己卻是個一直待在學院的人，因此對學院式的形式要求也很理解。他曾經為學校改寫教育綱要，讓他思考學院裡師生互相批判環節（criticism）的重要。創作雖然為個人的思考活動（對照程展緯較為個人性的分享），但學院可提供一個環境，一個可以讓學生互相批判的空間。這個環境對培養若藝術學生的批判力很重要，因為當失去批判力，他認為，想像力也會漸漸消失，也不能做到真正的liberal education。當然，這種學院的批判看來很精英，因為大專教育本身就是一道門檻，但在去專業化和化整為零的潮流下，精英藝術或許很快消失。Sampson問，這會不會反而讓藝術更有力量？更能如水般流入尋常百姓家？
然後到Stelle方詠甄。因M+工作要求，她需要redefine museum education，想到是否可以把做Museum當成做Art School來思考。她引用Paul O’Neil 和Mick Wilson的Curating and the Educational Turn，指出教育轉向把策展和教育的界線移除，無論在形式還是方法上，藝術家和策展人愈來愈多地介入一些具教育隱喻的計劃裡，例如講座、研討會、圖書館、讀書組、工作坊和學校。[2] 藝術家和策展人，從把展覽看成一種藝術成品，到思考如何介入觀眾，甚至把觀眾變成作品一部分，是近代藝術的一個轉向。她提到Joseph Beuys一句話：「To be a teacher is my greatest work of art」，藝術不再區分自己與作品，而是把自己的在場變成作品的一部分，而學生在這個場域裡，也自然成了不可或缺的部分。
現代的藝術館不應再拘泥於把展品置放在某個場地這種簡單觀念。Stelle提到Anto Vidokel的 Night School計劃，2008年New Museum在紐約實行一年長的計劃，由一系列本地和國際著名藝術家、作家、理論家組成講座系列，形式包括研討會、工作坊、放映會和講座等，讓藝術館「介入」其他領域，變身成藝術學院和公共空間，組合正在經歷不同人生歷程的社會大眾，建立成一個又一個終生且共同學習的團伙。在這種學習團伙裡，提出問題比學到答案更重要。因為在藝術家的獨特視角裡，limitation不一定是阻礙，看到的，可以是機會。藝術教育要做的，是要讓人看到希望與未來。
作為搞事者的陳生，認為講者們共通的地方，是開放性。他提問，藝術應該教乜？藝術學院可以用什麼形式存在？舊的教育內容和形式，如何過渡到新的模式？Stelle身先士卒，以家中小朋友為例，指出教育是要教我們如何觀察世界。在非常繁複和長久的過程裡，能在學校裡學到的其實可以化繁為簡成兩樣野 — 自知和自信，能學到這些東西其已經教人心滿意足；程認為，在課程內容上考慮，類型和內容固然愈多樣愈好，但教授「態度」卻是更重要（但這點似乎鋪陳得未夠詳細）。他以女兒名字月月為喻，認為學校裡交到「朋友」是最重要的。朋友就是群體，能刺激也能批判，當創作回歸個人時，這些都會成為養份。而Sampson的答案則從本行出發（城市研究），強調空間的重要。空間不是純粹物理性的東西，而是有一定的關聯與氣氛的場所。有空間就有交流，奇怪既事就會出現。大概，這個講座也是這種奇怪而美好的事的例證。
陳生這個「策展」本身，在我看來是頗有心思。因為他想把一個前線藝術家、一個自稱「長期待在學院，未正式接受藝術教育」的藝術家與教育者、一個讀策展、博物館學而又正在管理展館的人放在一起，可謂把現代藝術世界（art world）主要的輸出部份都涵蓋了。他在提到from all to all 這概念，若藝術學院本身就是一個多元眾體，能提供無必然框架的藝術輸出，自然作為受眾的藝術群眾，也應該是無所限的。要做到這些，需要的，無非是一個鮮活而有能量的氣氛，在這壓抑的年頭，應做的，無非如陳生最後所言：「總之做落去，搵多些人討論，呢個氣氛是需要的，特別係呢個時間。」
[1] 已停刊四年。當鬼滅之刃已經完結，但古勒比還在開往暗黑大陸的船上教人用氣的hunter X hunter《全職獵人》。
[2] Paul O’Neil and Mick Wilson (Eds.), 2010.
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